Come nasce l’idea di portare in scena “L’opera da tre soldi”?
«Questo spettacolo doveva debuttare esattamente un anno fa durante la scorsa edizione del Festival, dopo aver convinto Massimo Ranieri che era arrivato il momento giusto per interpretare il ruolo di Mackie Messer. Tuttavia, mi resi conto che nessun teatro stabile italiano avrebbe potuto produrre “L’opera da tre soldi”, poiché la quantità di personaggi che sono in scena è tale che un teatro di prosa non può permetterne la fisica effettuazione. Ma una volta ottenuta la disponibilità del San Carlo e di Renato Quaglia, gli impegni televisivi di Ranieri hanno reso impossibile la realizzazione».
Quali sono le novità dal punto di vista della regia?
«Si tratta di una regia “postmoderna” che si basa sulla scenografia di Fabrizio Plessi, uno dei più noti videoartisti italiani, ed è finalizzata alla valorizzazione del contesto scenico. Su una riproduzione fotografica di una facciata dello storico edificio di Piazza Carlo III saranno installati, al posto dei balconi, una serie di televisori che riprodurranno immagini di Napoli in bianco e nero in grado di raccontare la città sia nell’ambientazione del secondo dopoguerra sia nella sua rinascita come metropoli. I contenuti delle immagini, allusivi e privi di riferimenti alla cronaca, hanno la funzione di definire gli spazi e di conferire alla rappresentazione una dimensione atemporale ed immaginativa, accentuata anche dai costumi. Per quanto riguarda l’adattamento del testo, ho diviso lo spettacolo in tre parti con due intervalli, senza tagliare né un rigo né una nota dell’opera originale».
Quanto è stato attualizzato il testo?
«Tenendo conto che Brecht, come Pirandello, è stato capace di comprendere in che modo il mostrarsi prevale sull’essere, il mio proposito è quello di spingere il pubblico a riflettere proprio sulla dicotomia essere-apparire insita in questo testo, ma tanto attuale nella nostra società».
Come è stato il suo rapporto con la compagnia?
«Il rapporto con Ranieri è stato fantastico, ma lo stesso vale per Lina Sastri e per il resto della compagnia, nella quale fanno parte anche i miei attori, come Gaia Aprea. Un artista è sempre il suo gruppo, dato che il teatro è una squadra. E la mia squadra gioca su due settori, canto e recitazione, poiché sono convinto che la scissione delle discipline dal vivo non corrisponda alla realtà del palcoscenico».
Quali sono le difficoltà che ha riscontrato?
«Questo allestimento è stato sicuramente la cosa più difficile che abbia mai fatto nella mia carriera di regista, dato che coinvolge un gran numero di attori e cantanti. È quasi come se facessi la regia di un’opera lirica, perché ogni canzone va provata e riprovata. Non è stata una cosa facile, inoltre, formare un cast con attori che sapessero cantare al meglio e, allo stesso tempo, cantanti che sapessero recitare al meglio. Lo spettacolo è lungo e, quindi, abbiamo avuto anche il timore fisico di non farcela».

]]> http://www.ilbrigante.it/spettacoli/una-regia-postmodernaper-lopera-da-tre-soldiannalisa-castellitti/feed/ 0 http://www.ilbrigante.it/spettacoli/napoli-piange-gino-maringolaalessandro-pellino/ http://www.ilbrigante.it/spettacoli/napoli-piange-gino-maringolaalessandro-pellino/#comments Fri, 08 Jul 2011 20:18:18 +0000 Redazione http://www.ilbrigante.it/?p=9592 L'ultimo grande rappresentante di una grande scuola di teatro: Una vita spesa per il teatro e nel teatro, un cammino irto di difficoltà che solo una gran tempra ed una non comune forza di volontà hanno potuto sopportarne il peso e le iniziali umiliazioni. ]]> Napoli piange la morte di Gino Maringola, ultimo grande rappresentante di una grande scuola di teatro. Una vita spesa per il teatro e nel teatro, un cammino irto di difficoltà che solo una gran tempra ed una non comune forza di volontà hanno potuto sopportarne il peso e le iniziali umiliazioni. Ma la consapevolezza dei propri mezzi, la caparbietà ed una nobile forza d’animo hanno irrigato i solchi scavati con le unghie, permettendone la ricca messe. Gino Maringola é nato a Napoli il 17 novembre del 1917, ma la proverbiale superstizione dei concittadini di Eumelio Falero, lo vedono nato anagraficamente il 13, in modo da bilanciarne il destino. Rimasto, in tenera età, orfano del padre Carmine, Gino, sotto la guida dello zio Cosimo, venne avviato agli studi elementari, non disdegnando di frequentare la basilica del Carmine, del cui coro faceva parte. All’età di 19 anni fu assunto dal Silurificio italiano dove, negli intervalli di tempo, deliziava i suoi colleghi cantando deliziose melodie partenopee. La sua voce, potente e melodiosa, fece sì che, dopo un lungo ed estenuante andirivieni dalle case editrici, il suo nome potesse essere scritto nell’Olimpo dei cantanti napoletani. Subito dopo il gran passo. Gino venne scritturato come cantante solista da Alfredo Thomas con il quale girò per i teatri più belli d’Italia ricevendo consensi e plausi. La sua carriera, esclusivamente come cantante, durò sino al 1940, allorquando venne chiamato da Salvatore Cafiero, per far parte della rinata Cafiero-Fumo. Se il provino come cantante lasciò soddisfatto il buon don Salvatore, questi non potette far salti di gioia quando il caro Gino passò alla recitazione. Si drizzarono invece le antenne ad Eugenio Fumo, gran talent-scout, il quale intravide in quella stentorea recitazione il preludio di quello che avrebbe rappresentato, per il teatro, il Maringola. Così sotto la saggia guida e gli insegnamenti di Eugenio Fumo, il Nostro iniziò la sua avventura nel teatro. Neanche gli anni spesi per la difesa della patria fermarono il caro Gino che, durante il servizio militare, continuò a recitare e cantare, per procurarsi di che sfamare la moglie ed i figli, rischiando anche la galera quando, per recitare al teatro Iovinelli di Roma nella compagnia di Mimì Maggio, rasentò più volte il codice militare. Ha Lavorato nelle compagnie più importanti accanto a nomi quali Amedeo Girard, Achille Pansini, Raffaele e Gennaro Di Napoli ed Oscar Di Maio.

Negli anni ’53-’54 e ’56-’58 lo troviamo al teatro del Popolo, prima sotto la saggia e competente direzione di Vittorio Viviani e poi sotto quella più approssimativa e fallimentare di Mario Mangini, in compagnia di valentissimi attori che rispondevano al nome di Luisella Viviani, Ugo D’Alessio, Gennaro Di Napoli, Rino Genovese ed il camaleontico Agostino Salvietti. Il suo impegno, il suo carattere ma soprattutto la grande versatilità ne hanno fatto un punto di riferimento nel mondo del teatro e la sua recitazione ha costituito, per molti attori, un modello a cui rifarsi. Il compianto amico Nino Taranto pretese la partecipazione di Gino Maringola ad importanti rappresentazioni come quelle del repertorio Vivianesco, di cui ricordiamo le più importanti e cioè Guappo di cartone, L’ultimo scugnizzo e Spusalizio. Tutti i grandi attori si sono giovati dell’arte del Maringola a partire da Salvatore De Muto, Gino Cervi, Emma Gramatica, Elsa Merlini, Nando Gazzolo e per finire, il grande direttore Eduardo De Filippo. Per la televisione di stato, nell’arco di lunghi anni, ha preso parte alle più importanti produzioni, tra le quali val la pena di evidenziare: Delitto e castigo, Madame Curie, Luisa Sanfelice, Lungo il fiume sull’acqua, Il cappello del prete, L’eredità della priora, Il santo, Il caso Matteotti. Ma quest’elenco rappresenta solo una piccola parte dei lavori di Gino Maringola per la RAI che, da un computo sommario, assommano a più di un centinaio.

Nella stagione teatrale 1967-68, Eduardo lo volle al San Ferdinando per tenere a battesimo un giovane che faceva timidamente il suo esordio nel mondo del teatro, questo giovanotto di belle speranze rispondeva al nome di Luca Della Porta, ma in realtà il suo vero cognome era De Filippo. Il grande Direttore desiderava che in quell’esordio il figliolo fosse affiancato da gente di sicuro affidamento ed a tal uopo oltre al Maringola scritturò anche il pulcinella Giovanni Crosio ed Anna Maria Ackermann, i quali guidarono con mano esperta il giovane Luca e lo spettacolo ebbe un lusinghiero successo. Ma chi é veramente Gino Maringola? E’ forse il furbo ed irascibile Pasquale Cupiello? Oppure il calmo e riflessivo Fabio Della Ragione del Sindaco del rione Sanità? E’ l’ambiguo Pasquale Cimmaruta de Le voci di dentro o il pavido ed egoista Cuozzo o, ancora, l’eterno riconoscente Giacomino Trocina de Il Contratto ? Egli possiede “Tutte le corde” per essere sia l’uno che l’altro ed in più, riesce a modificare la sua maschera divenendo ora burbero e truce, ora dolce e buono, fino ad apparire ingenuo e credulone. Fine poeta e dolce cantore, Gino Maringola, ha saputo cogliere nel cuore napoletano tutti i più nobili sentimenti, trascrivendoli in due stupende raccolte di poesia che rappresentano lo specchio di un mondo stupendo, un mondo ché é quello napoletano, fatto d’amore e di poesia. Pur se costretto, dai tempi e dagli eventi, Gino ha giocato un brutto tiro al mondo del teatro, privandolo, anzitempo, di una delle sue più degne ed espressive figure. In una fredda e triste sera egli annunziò al proprio cuore, che con riluttanza ne prendeva atto, il suo definitivo ritiro dalle scene teatrali. Tra gli affetti familiari, si gode il meritato riposo del guerriero, anche se, nell’intimo del suo cuore rimpiange le fughe dagli alberghi, gli angusti camerini, i ceroni e le creme, gli abiti di scena, le luci, gli scenari, gli applausi, i trionfi, i sinceri consensi e tutto ciò che, per più di cinquant’anni ha rappresentato il companatico della sua vita, una vita spesa per il teatro. Ritiratosi dalle scene ha vissuto con i suoi cari nella sua casa ai quartieri spagnoli fino alla  notte del 26 maggio quando si è spento, all’età di 94 anni, tra il dolore dei suoi familiari.

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foto in bianco e nero

Scatti di viaggio, sembrano essere quelli che la Pompilio presenta in questo corpus espositivo, laddove le cornici e le ambientazioni sono diverse in una proposizione dinamica, anche se al tempo stesso, il motivo dominante dell’attesa si pone in apparente antitesti con tale dinamismo. E non è l’unica antinomia che vive nel cuore del progetto della creativa napoletana: spesso al centro dei suoi ritratti, che coprono un arco diacronico di circa due anni, campeggiano contrasti voluti. Un vecchio pescatore solitario su una banchina nelle prime luci del mattino, contraddistinto dalla classica pelle bruna, arsa dal sole, ma da una chioma canuta; i colori accesi e vivi della vetrina di un noto negozio di dolci a Berlino e l’aspetto studiatamente trasandato di un giovane passante in primo piano; la contrapposizione dei colori di due gomene abbracciate, come due amanti, in un nodo indissolubile; la nuance argentea, pura luce naturale, di due pesci bandiera, avvinghiati in una cassetta su di un molo di Ischia, e così a seguire. E se l’attesa nelle sue varie manifestazioni – come già accennato – è una delle voci più ricorrenti nella sintassi visiva della Pompilio, il mare è il controcanto. Un mare che, se non presente, è comunque evocato: nelle gomene di cui sopra, in un’improvvisata edicola votiva sulla spiaggia di Miseno, di vaga reminiscenza ‘verghiana’ per l’atmosfera, nei lungomare di Nizza, Ischia, Napoli o nei canali, nei palazzi e nelle passeggiate di un’inedita e splendida laguna di Venezia. Binomi e dicotomie negli scatti della Pompilio: da un lato, mare in perenne moto, dall’altro attesa statica, che talvolta addirittura sembra aver rinunciato all’oggetto delle proprie aspettative, come nello sguardo di un anziano clochard, protagonista di una foto ripresa a Bologna nel 2010.
La nitidezza della luce di questi scatti, la composizione plastica, armonica ed equilibrata, il potere evocativo di ogni singola immagine, l’attenzione ai riflessi e ai chiaroscuri, tipici del bianco e nero, il lirismo del dettaglio strappato al tutto per divenire particolare assoluto e materia di attenzione, la spontaneità di cose semplici e di brevi momenti, elevati a elementi dotati di dignità e valore artistici. Sono tutte queste le peculiarità che segnano il modo di vedere e reinventare la realtà da parte di Stefania Pompilio. Ed è così che una luna può arrivare a specchiarsi in un vecchio tavolino rotondo di un bar, divenendo essa stessa ‘di legno’; o che un ambulante sulla spiaggia, affidando al vento i suoi parei, crei, con ombre e riflessi, una sorta di gioco fantastico; o che infine un’impalcatura, posta per necessità nella laguna veneta per l’acqua alta, si ritrovi a fungere da ‘panchina’ per una coppia di padre e figlio che, da turisti, elargiscono qualche briciola ai colombi.
Sprazzi di vita, schegge di esistenza, altrimenti perdute, finiscono in tal modo nell’obiettivo della Pompilio, tessere a se stanti eppure inscindibili di un unico grande mosaico della persistenza della memoria.

Ecco un libro d’Arte indispensabile per guardare Napoli da una prospettiva “diversa”, quella delle scale che ovunque l’attraversano, dal mare fino all’eremo dei Camaldoli. L’opera, firmata dal giornalista e fotografo Cesare Purini e dall’insigne giornalista Giovanni Leone, affida a brevi didascalie e splendide foto tutte le suggestioni di quella “Città obliqua” che l’architetto Edoardo Bennato cantava già trent’anni fa e che soprattutto i napoletani di collina imparano a conoscere già dai primi anni di vita. Scorci suggestivi, angoli di paradiso, ma anche degrado, incuria, dimenticanza. C’è tutta l’essenza di Napoli in questo libro accurato e prezioso, in cui ognuno può riconoscere un proprio passo, un proprio tocco di vita.

Ottima la grafica e molto giusta l’idea di dividere la città per quartieri, “La città obliqua” (Rogiosi Editore) si staglia tra le opere più nobili ed eleganti mai edite su questa bella e dolente metropoli, e nello stesso tempo avverte sulla caducità delle cose, che non sono immortali, proprio come noi. Salvare le scale di Napoli significa salvaguardare la nostra storia, ed infine la nostra napoletanità.

Munnez Lisa

Marco Iannaccone facendo un uso deliberato, consapevole e sofisticato del kitsch nell'arte ci serve Homebook. Con occhio allucinato e un po’ morboso smonta e ricompone i tasselli di una noiosa vita metropolitana dandoci qualcosa che come specchi e pezzetti di vetro o plastica colorati, crea immagini volte a fare uscire il silenzioso mostriciattolo che abbiamo dentro. Queste foto di Marco Iannaccone, rivelano microcosmi atroci e disperati in cui incrociano strazio, pena, delirio e oltraggio, in luce gotica e notturna, volti immortalati e contrastanti, quasi fossero mosaici bizantini in chiave kitsch, che celebrano il colore sulla forma e prediligendo il graffio sulla tela al gesto rassicurante. Eccoci rappresentati dalle zoommate di Iannaccone: la Sig.ra Nancy Brilla o Mister Virtù Alex, Lady Abban Donata o i Sig.ri Grandi Marroni non solo creature nate dalla sua fantasia ma, ognuno di noi che vive inconsapevolmente circuito, abbacinato,abbindolato dalla Storia. PLASTIC ART TRASH Una mostra sul degrado, sulla bellezza che si disintegra come nel quadro di Dorian Gray. Marco Iannaccone compie un viaggio: un viaggio fantasioso e tragico, un excursus nei capolavori artistici, che rappresentano la nostra storia e che avremmo tutti il dovere di proteggere e trasmettere ai posteri.
“Addio, mia bella Napoli!“ è un omaggio insieme malinconico ed affettuoso alla bellezza di questa città ingabbiata e soffocata dall’immondizia e da rifiuti che non risparmiano nulla. Una terra malata, un mare violato dal quale tutte le creature, anche quelle mitologiche, ritornano per aprirci gli occhi. Ecco Ofelia di Millet, fotografata su una spiaggia piena di spazzatura, le “due Frida” dell’artista messicana Frida Kalho: un cuore gettato nei rifiuti, perché “il cattivo amore è immondizia” poi Caravaggio, la “Medusa pietrificata”, con i capelli pieni di sacchetti e serpi, con il “Narciso del Percolato”, che si specchia in uno stagno inquinato, e ancora “Giuditta Killer Trash” e il “Il ragazzo colpito dal tamarro”. La “Gioconda” di Leonardo si trasforma in “Munnez Lisa” e la “Venere” di Botticelli in “La Venere del putridume”: ironicamente e spietatamente le forme si ricoprono di spazzatura, anche tra le dita del “Rifiuto Universale” e nel “Cristo contaminato”. Il forte impatto visivo ed emotivo spinge tutti a riflettere come un’opera d’arte debba restare sempre “divina” e la bellezza che sprigiona possa essere appannata ma non cancellata. Da qui il grido che vuole Napoli, rinascere e riprendere il suo ruolo di capitale artistico - culturale. I quadri riprodotti da Marco Iannaccone sono i seguenti: Il Giudizio Universale ( Michelangelo) – Il rifiuto Universale La nascita di Venere (Botticelli) – La venere del putridume Maria Maddalena (Bocklin) –Maria Maddalena – La pietà di Terzigno Ragazzo colpito dal ramarro ( Caravaggio) – Ragazzo colpito dal tamarro Narciso ( Caravaggio) – Il narciso del percolato Medusa (Caravaggio) – La medusa pietrificata Giuditta e Oloferne (Caravaggio) – Giuditta killer trash Le due Frida (Frida Kalho) – El mal amor es basura Maya desnuda e vestida (Goya) - Basura vestida e basura desnuda L’Urlo (Munch) – L’urlo fetido Gli amanti (Magritte) – Ceci ne sont pas des amoureux de l’ordure L’uomo con la bombetta ( Magritte) – Ceci n’est pas un sachet d’ordure Il Cristo Velato (Sanmartino) – Il cristo contaminato Les Demoiselles d’Avignon (Picasso) - Les demoiselles des ordures Ofelia (Millet) – Morte di Ofelia – la città derelitta Gioconda (Leonardo) – Munnez Lisa.
Addio, mia bella Napoli e Mors Partenope - Abyssus abyssum invocat sono opere originali di Marco Iannaccone.