Venerdì 29 luglio 2011, alle ore 20:00, sulla terrazza panoramica di Villa San Michele, nell’ambito della rassegna Concerti al Tramonto, il tenore Mats Carlsson, accompagnato dal M° Love Derwinger, direttore musicale della kermesse, sarà protagonista della serata dedicata alla celebrazione dei 100 anni di Jussi Björling, occasione in cui saranno esplorate le più belle e intense pagine della musica, scritte da autori famosi e apprezzati in tutto il mondo: Gaetano Donizetti, Giacomo Puccini, Giuseppe Verdi, Hugo Alfvén, Wilhelm Peterson-Berger e Wilhelm Stenhammar.

Uno spettacolo imperdibile, che vedrà dunque impegnati due dei nomi più noti e amati del panorama musicale.

Mats Carlsson, grazie al suo brillante timbro nordico che, accoppiato a uno stile propriamente italiano, ha reso le sue note, alte e sonore, ben riconoscibili, si conferma una delle voci più notevoli del mondo operistico.

Non a caso il cantante è stato il primo a ricevere, nel 2008, il prestigioso premio scandinavo Jussi Björling Society.

Tra le sue apparizioni più significative: Romeo, The Duke, Pinkerton, Rinuccio, Hagenbach, Enzo Grimaldo. Love Derwinger, dal canto suo, come ha scritto un critico del Dagens Nyheter, quotidiano svedese di rilevanza nazionale, “è probabilmente la personalità pianistica più originale e interessante della sua generazione” non solo per il debutto, avvenuto all’età di sedici anni, come solista, che lo vide cimentarsi nel Concerto per pianoforte n.2 di Liszt, ma, soprattutto, per il personalissimo percorso in forte ascesa che da allora lo ha portato a esibirsi in tutta Europa, negli Stati Uniti, in Canada, in Giappone, in Sud America e nel Medio Oriente.

La rassegna Concerti al Tramonto, realizzata con il sostegno del Consiglio della Cultura dello Stato Svedese, con il patrocinio dell’Ambasciata di Svezia e con il contributo di Progetto Piano, si svolgerà ogni venerdì fino al 12 agosto e ospiterà una straordinaria varietà di artisti, accomunando la cultura italiana a quella svedese.

Da non perdere.

Info:

Per l’acquisto dei biglietti (prezzo € 15,00; ridotto ragazzi e studenti € 5,00) basta recarsi alla biglietteria dalle 18,30 o, in prevendita, presso il bookshop del museo, tutti i giorni dalle 9 alle 18. Per chi viene da Napoli vi è la possibilità di rientro con l’ultima corsa marittima. Per informazioni: tel. 081.8371401 www.villasanmichele.eu

Per una serata, quella d’ouverture di “Un’Estate al Madre”, la kermesse estiva del Museo Donnaregina di Napoli, giovedì 21 luglio 2011, l’alma de Cuba, attraverso il leggendario són, pervaderà il monumentale e suggestivo cortile del Museo d’Arte Contemporanea. Un ponte ideale tra ritmo e melodie del Caribe sino allo spirito della città di Partenope. Il són cubano, la tradizionale musica dei contadini della regione orientale dell’isola caraibica, nato a fine ’800, e simbolo della cultura nazionale di Cuba, animerà, in un live d’eccezione, la location napoletana, viaggiando tra le tipiche sonorità del tres, dell’armonico (la caratteristica chitarra a 7 corde), dei ritornelli in quattro tempi cantati dal coro col contraltare dell’improvvisazione del solista e/o della seconda voce, della perfetta fusione tra strumenti percussivi di origine africana e quelli di corda battuta spagnoli.
L’uno dopo l’altro sfileranno, in una teoria musicale coinvolgente, irresistibile, appassionata e ritmata, brani amati e noti del GRUPO COMPAY SEGUNDO, come la celebre “Chan Chan”, “El Cuarto de Tula”, “Dos Gardenias”, “Candela”, “Macusa”, “Bilongo”, “Veinte Años”, “Las Flores de la Vida”, solo per citare i più famosi. Un universo di immagini e suoni della conversazione e del canto tipici della popolazione rurale cubana, patrimonio artistico e culturale inestimabile, fatto di una ricchezza sonora, umoristica e immaginifica, prenderà vita e corpo sul palco del Madre. A distanza di quattro anni dalla celebrazione dei 100 dalla nascita del mitico musicista cubano COMPAY SEGUNDO, all’anagrafe Maximo Francisco Repilado Muñoz, la sua anima continua a esistere e irradiare allegria nelle performance dal vivo realizzate in tutto il mondo dagli eredi, strumentisti che lui stesso scelse prima di morire, affinché divulgassero la sua musica in ogni dove.
Del gruppo di artisti designati da Compay a perpetuare la tradizione musicale, e di cui due sono suoi figli, alcuni hanno partecipato al cd e al famoso film di Wim Wenders “Buena Vista Social Club”, motivo di grande notorietà per Compay e i suoi. In una loro esibizione si passa, senza soluzione di continuità, da bolero a salsa, mambo, rumba, cha-cha-cha, vecchio danzón e antico són, da melodie più soft a ritmiche decisamente più sostenute, da veri e proprio inni alla gioia di vivere a canti e toni più malinconici e nostalgici. Il vero scopo è quello di diffondere nel mondo non solo la musica di Compay, ma anche la sua filosofia di vita: “fare l’amore, cantare són e bere rhum”…

La Formazione: 1- Salvador Repilado Labrada (Director- contrabajo)
2- Hugo Garzón Bargalló (voz prima y maracas)
3- Haskell Armenteros Pons (clarinete)
4- Rafael Inciarte Rodríguez (clarinete)
5- Rafael Fournier Navarro (bongo)
6- Basilio Repilado Labrada (clave y voz segunda)
7- Félix Martínez Montero (armónico)
8- Nilso Arias Fernández (guitarra acompañante)
9- Yoel Matos Rodríguez (guitarra acompañante)
10- Rafael Inciarte Cordero (clarinete bajo)
11- Roberta Pierazzini (baile)/12- Paolo Angelini (baile)

L’anno prossimo, il 7 settembre, avrebbe compiuto 60 anni. E invece la vita terrena di Giuni Russo si è conclusa 6 anni fa. Un’eternità, oppure un attimo. Quel che è certo è che il dolore per la perdita di una donna eccellente e di una grandissima artista non si attenua, anzi. Giuni ha lasciato per l’Italia ed il Mondo migliaia di cuori infranti, nella sublime ingiustizia di una perdita arrivata all’apice della maturità artistica, e nel fiore degli anni.

Giuni Russo è stata messaggera di pace, dopo essere stata cantora sfrenata dei dionisiaci anni ottanta. Ha trasformato in Arte prima la Conoscenza, e poi il Dolore, offrendo spudorata e insinuante tutta sé stessa nei solchi delle sue opere, e soprattutto nei suoi incontri col pubblico. Quello che seminava sul palco raccoglieva fuori. Non l’aspettavano legioni di isterici fans che popolano i concerti delle pop-stars e che sono pronti a cambiare bandiera e mito seguendo l’ora solare. No, ad aspettare Giuni non erano in molti, ma erano Veri. Come lei. Erano uomini e donne che la ringraziavano per l’Incontro, e che tuttora le portano fiori e le scrivono, aspettandosi di essere letti.

Non si è mai vista, a memoria, una simile con-passione tra artista e ascoltatore. Non si è mai vista musica vibrare così, quasi da sola, quasi altra. Non si sono mai visti occhi così ispirati, così pieni di luce e di magnetiche promesse.

Ecco perché ci manca, Giuni Russo. Nell’Italia ipnotizzata da musica inutile e da un vuoto di pneumatica malinconia, la voce di Giuni risuona ancora più potente dal fondo del nostro cuore. E allora vien voglia di credere che in fondo, sì, nulla è casuale e forse lei sarebbe stata a disagio in mezzo a questo squallore.

O forse no, e anche questo pensiero serve a sentire meno viva la ferita.

Quanto ci manchi, Giuni.

ROBERTO CIOTTI

Torna nuovamente a suonare dal vivo a Napoli il bluesman romano considerato da critica e pubblico tra i più popolari e talentuosi. Il suo nome è indissolubilmente legato al blues in Italia, di cui è uno degli esponenti di maggior rilievo. Fa blues da circa quarant’anni, Roberto Ciotti, con un tocco e un’anima inconfondibili. Quattordici dischi all’attivo come solista, decine come side man accanto a nomi del calibro di Francesco De Gregori ed Eduardo bennato, per citarne solo alcuni, Ciotti inizia a suonare la chitarra a 12 anni. La sua passione per il rock-blues affonda le radici negli anni ’70, ascoltando dal vivo Hendrix e i primi dischi d’importazione, e mantenendone nette sfumature nel suo sound. Da qui prende il via una lunga carriera artistica che attraversa varie fasi: dal blues acustico al rock-blues. Il suo è un percorso composito, abbracciando tutte le nuance della musica black, a cominciare da una chiara e irrinunciabile matrice blues, sino a venature rock, soul, funky, splendide ballads e, più di recente, anche atmosfere latine. Al principio suona con la band romana “Blue Morning”, e del ’78 è “Supergasoline Blues (Cramps/Phonogram). Come compositore si metterà in evidenza, dopo vari altri cd, nell’88 con “No More Blue” (il cui pezzo omonimo è nella colonna sonora del film “Marrakech Express” di Salvatores dell’89). Mentre lo stile cambia e matura, arricchendosi di armonie e ritmi soul e latini, ma restando ferma l’ispirazione blues, si susseguono, sin dagli anni ’70, tantissime collaborazioni (da Ginger Baker a Brian Auger, per ricordarne solo un paio), le partecipazioni ai festival internazionali (Berlino, Bellinzona), l’apertura dei concerti di Bob Marley, i tour in USA (con Ginger Baker) e in RUSSIA, nonché le partecipazioni come session men (Edoardo Bennato, Francesco De Gregori), oltre alle trasmissioni TV (“DOC”, “Quelli della notte”) e alla firma di un’altra colonna sonora, “Turné” (sempre di Salvatores, 1990). Ottiene anche, tra gli altri, il premio Roccella Jonica, e il suo cd “Walking” (Il Manifesto, 1999), prima del successivo “Behind The Door” (2002), vende più di 20.000 copie.
A seguire, altre prestigiose collaborazioni e partecipazioni a festival internazionali, il tour “Behind The Door” del 2004, una lunga tournée in Brasile, un libro autobiografico, “Unplugged” (Castelvecchi Editore), con accluso un best of acustico (2007), e “My Blues”, cd+dvd best-live (Suono 2008). Ciotti e la sua band approdano sul palco del Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina di Napoli con una novità: “Troubles and Dreams”. Dopo 8 anni dall’ultimo disco di inediti, infatti, arriva il nuovo cd del chitarrista romano (con anche due brani acustici), uscito a fine giugno in edicola, allegato alla rivista “Suono”. Tredici brani originali in bilico tra tradizione e modernità, suoni acustici molto curati, il recupero delle più profonde istanze blues in composizioni nuove, con ritmi diversi, con uno stile unico e, soprattutto, con grande tocco di chitarra, registrato a 192 HZ per gli audiofili, senza suoni elettronici. I temi di “Troubles and Dreams” sono tipici della tradizione blues: passione, anima, con numerosi spunti autobiografici e riferimenti al sociale. Così “Black Angel” è la donna, “Mama” la mamma persa, “Times I live” i tempi più duri, “Tender Touch” l’amore difficile, “Hot Summer” il calore del sole e dell’estate, “I’m Fool and I’m Free” la follia di chi non cede mai, “In My Pocket” la saggezza di chi sa e, infine, anche un omaggio a Roma cosmopolita in “Stanotte Roma”.
Nel 2009 Ciotti ha vinto anche il prestigioso premio “Pistoia Blues Award 2009”.

La Formazione:
Roberto Ciotti: chitarre e voce
Simone Scifoni: piano e organo
Valter Detond: batteria
Elio Buselli: basso
Flavinho Vargas: percussioni

Questa solo una delle tante definizioni più che positive di Maurizio Capone, musicista, cantante e compositore. Capone nasce artisticamente nei primi anni ’80 iniziando a creare strumenti con materiali riciclati (la Scialacqua, realizzata con una vecchia canna da pesca, e il Chàchà, con coperchi di latta). Nel ’93 pubblica il suo primo album da solista “Capone” (BMG/Old Bridge music), a cui seguono “La foresta” (Sciarap/Flying 1995), “Sciarap 002” (Sciarap/CNI 1997) e “Murmurii” (Sciarap/CNI 1999), che gli valgono la definizione di “profeta del drum‘n’bass” (Rockstar).
Nel ’99 prende vita il progetto “Bungt & Bangt”, uno spettacolo “teatrale e performante” incentrato su strumenti nati da materiali riciclati o con oggetti d’uso comune. Il debutto avviene il 31 marzo 2000. Il set è composta da bidoni della spazzatura, lattine, vecchie pentole, secchi di varie grandezze, tubi di plastica e di metallo, utensili da lavoro, bombole del gas, bottiglie e lamine. L’effetto è dirompente e il passaggio dallo spettacolo all’orchestra stabile avviene in modo naturale. BungtBangt è il nome adottato per il nuovo progetto. Con più di 450 concerti all’attivo, Capone&BungtBangt sono amati e seguiti dal pubblico che ha sempre risposto entusiasticamente ai loro concerti, dalla critica specializzata, ma anche dai big della musica italiana e internazionale, che spesso hanno voluto ‘giocare’ in scena con questi stravaganti musicisti e i loro originali strumenti. E infatti, durante una loro performance, sul palco ci sono scope-chitarre, parquet-basso, bidoni-batterie, giocattolini-pianoforti. Questi gli strumenti con cui non solo suonano dal vivo, ma da circa 10 anni portano avanti una ricerca artistica che si poggia sull’inventiva, sulla sensibilità ambientalistica e sull’impegno sociale e civile. Il risultato è una grammatica sonora che si basa su di un melting pot di canzoni, vibrazioni, suoni, contenuti e felici contaminazioni stilistiche: reggae, funky, pop, techno, hip hop, jungle, il tutto tenuto insieme da una buona dose di verace napoletaneità.
Recente è l’uscita di “Bio-logic” (Etichetta Sciarap/Arealive, Distribuzione Edel), nuovo cd della formazione partenopea; 21 canzoni da cui, nel mix di sonorità di cui sopra, forte si evince l’idea alla base del progetto di Capone & BungtBangt: la ri-evoluzione, la riscoperta e la capacità di riedizione senza strappi o traumi, ma in maniera naturale, attraverso l’ecologia, per l’appunto.
E la serata di mercoledì prossimo al Madre conserverà tutte queste componenti di senso, ritmo e suono, dal momento che, peraltro, proprio il Museo d’Arte Contemporanea di Napoli ha ospitato le riprese per il video di “Un’Altra Canzone d’Amore”, singolo estratto dall’ultimo cd, nell’ambito di “Project ReEvolution”, voluto da Maurizio Capone e Francesco Sondelli per finanziare “ManiTese” in attività educative e creative nei quartieri a rischio di Napoli e Città del Guatemala. Il video in questione sarà proiettato durante la performance di mercoledì 18.
La formazione:
Maurizio Capone: voce, scopa elettrica e percussaglie
Alessandro “Mr Paradais” Paradiso: basso da ponte (basso)
Diego “Zelo” Leone: mazzarra (chitarra)
Francesco “Frankie” Capriello: pianole cinesi (tastiere)
Salvatore “Mestro” Zannella: buatteria (batteria).